9.desember 2012-20.januar 2013

Sissel M. Bergh i samarbeid med musiker og komponist Frode Fjellheim

foto: Sissel M. Bergh (Dalvedh) 2012

et rom for historisering om sørsamisk tilstedeværelse i Levangerområdet

* «Dalvedh» betyr det som har vært lenge borte, det som kommer til syne igjen.

Dalvedh, Forskningsstasjon # Levanger  er et midlertidig og åpent rom for historisering om sørsamisk tilstedeværelse i Levangerområdet. Det er den første av flere lokale forskningsstasjoner i Dalvedh, et pågående kunstprosjekt av billedkunstner Sissel M. Bergh i samarbeid med musiker og komponist Frode Fjellheim. Kunstnerne har knyttet til seg en rekke forskere, sørsamiske kulturbærere, historikere, arkeologer og språkvitere i dette prosjektet, som presenterer både bred undersøkelse og tankevekkende formidling av et underkommunisert aspekt i nordisk historie.

Dalvedh, Forskningsstasjon # Levanger tegner et lokalt landskap der fjorden og beitemarkene, Tomtvatnet og bygdene omkring samtidig er både Sàpmi og Norge. Det vi ser er imidlertid ikke et dobbelteksponert bilde. Det historiske landskapet som kommer til syne er flytende, men tydelig sett gjennom blikket til ulike deltagere og protagonister. Lyd, musikk og joik, tekst, objekter og foto skaper en sammensatt fortelling om historieskriving og nasjonsbygging, om makt, fortielse og avmakt.

Dalvedh, Forskningsstasjon # Levanger er et lokalt nedslag i et større prosjekt. I den mørkeste tida på året inviteres lokal befolkning og andre interesserte til både å bli bedre kjent med og til å dele egne fortellinger og kunnskap om sørsamisk tilstedeværelse i Levangerdistriktet. Dalvedh, Forskningsstasjon # Levanger presenteres som en serie med møter og eventer og en utstilling av dokumentasjon, tekst og bilder. Formatet er åpent og publikum inviteres til å komme med egne initiativ i utstillingsperioden.

Dalvedh er et sørsamisk verb som refererer til noe som har vært lenge borte, noe som kommer til syne igjen. I Levanger har det sørsamiske vært fraværende fra de store fortellingene om den stedlige identiteten.

Antropolog og professor ved universitetet i Chicago, Michel-Rolph Trouillot* (1949-2012),  har vist hvordan historieskriving også produserer stillheter, hvordan individers rett til historisitet og den spesifikke og stedlige fortellingen dekkes til av behovet for relevans og store narrativer. I en tid da historie og kulturarv forventes å gi oss svar på hvem vi er, presenterer Dalvedh det vi gjør når vi ønsker å lære av historien som viktigere.

*Silencing the Past: Power and the Production of History (1995).

Sissel Mutale Bergh, (1974) Billedkunstner og skribent som bor og arbeider i Trondheim. Hun har sin utdanning fra Kunstakademiet i Oslo og University of Technolgy, Durban RSA. Bergh har tidligere bodd og arbeidet flere år i Lusaka, Zambia. Hun arbeider med sceniske installasjoner i krysningspunktet mellom historie, det sensoriske og det politiske. 

http://www.sisselmbergh.net/.

Frode Fjellheim Komponist, musiker, produsent og professor i joik ved Høgskolen i Nord Trøndelag. Fjellheim har en allsidig musikalsk bakgrunn, med piano/keyboards som hovedinstrument. Han har utgitt en rekke CD-er, blant annet sammen med gruppa Transjoik, og laget flere bestillingsverk for festivaler, film og fjernsyn. Han har mottatt Spellemannsprisen og Sør Trøndelag Fylkes kulturpris, og har eget musikkforlag: www.vuelie.no

Mattis Kleppen Musiker som i en årrekke gledet det trønderske publikum med alt fra jazz, fusion og diverse etnisk musikk. Han har de siste årene hatt flere solokonserter der han spiller ”Slide”-teknikker og folkemusikkornamentering på elektrisk bass. Dette er spennende utrykk som ikke er blitt gjort tidligere på dette instrumentet og gir lytteren nye opplevelser av et instrument mange bare ser på som et ”komp” instrument. Mattis er for tiden ansatt som stipendiat ved NTNU, der han jobber med å utvikle sitt unike bass-spill ytterligere.

Åke Jünge Lektor ved Levanger videregående skole og Cand polit. i samfunnsgeografi. Har i flere år forsket på samisk identitet i Midt- og Sør-Skandinavia., og har publisert en rekke bøker, hefter  og artikler om sørsamiske forhold og lokalhistorie. Er for tida redaktør av Nord-Trøndelag historielags årbok.

Jan Persson Historieinteressert reindriver. Født i Levanger og oppvokst i Sul. Bor i Njaarke sameby, Offerdal, Sverige. 

poster – design og layout: Jessika Thörnqvist / LevArt

foto: Carolina Jonsson(Resonance/Resonans) 2012

Dyrene, skriver Rainer Maria Rilke i Duino-elegiene (1912-1922), vender ryggen til sin egen undergang og ser inn i “det åpne”. Problemet til menneskene er at vi alltid må vende blikket bakover mot det som allerede er representert og fortolket. Vi ser den skapte verden, men aner bare glimtvis noe mer enn det. Dette mer er vanligvis skjult for oss, men fordi sløret så vidt har blitt løftet på lengter vi alltid etter at erfaringen skal gjenta seg. Denne lengselen er melankolsk, den er smertefull men også vakker.

Det som skiller det åpenbare fra det skjulte, det indre fra det ytre, det personlige fra erfaringen av å tilhøre noe større ligner et tekstil, det er et slør, av og til bare en tynn hinne. Melankolien har også tekstilets stofflighet og tekstur, den er som en grå kappe og et ullent pledd. Å krype inn i dette teppet  er ikke å passivt vende seg bort fra verden, men bevisst å søke en annen erfaring av virkeligheten.

Verkene i denne utstillingen nærmer seg de store utfordringene i vår egen tid gjennom et estetisk og sanselig språk. Det handler om nærhet og om avstand mellom mennesker, om forsoning med en traumatisert natur og naturen i oss selv. Felles for kunstnerne er bruken av repetisjon og små forskyvninger som endrer oppfattelsen av tid og rom. Felles er også en stadig insistering på det samme, en vilje til å mane fram et sansbart bilde av en følelse eller en intuisjon, en tenkning gjennom og med teknologien som tas i bruk. Ved små manipuleringer og en forsiktig vridning av det vante, er dette verk som aktivt går inn for å endre den måten vi ser og erfarer verden på.  Dette er også i høy grad politisk.

Utstillingen viser arbeider fra perioden 2006-2012 og er andre del av en serie med utstillinger og events som peker fram mot åpningen av LevArts egne lokaler i Levanger. Utstillingstittelen er hentet fra den franske poeten Charles Baudelaires prosadiktsyklus Le Spleen de Paris. For Walter Benjamin var Baudelaire den som, ved fremveksten av varesamfunnet,  klarte å bryte varens brutalitet ved å gjøre den til et poetisk objekt, å menneskeliggjøre  den.

Hans Hamid Rasmussen, født 1963 i Algerie, bor og arbeider i Oslo. Rasmussen har høstet internasjonal anerkjennelse for sine store tekstile installasjoner. Han har deltatt på en rekke større internasjonale utstillinger og biennaler, sist på Gøteborgs Internasjonale Kunstbiennale 2011. Rasmussen har også jevnlig separatutstillinger  både i Norge og internasjonalt. Han er ansatt ved Kunsthøgskolen i Oslo der han underviser i kunstfag. Rasmussen er utdannet ved Akademi for Fotografi Konstfackskolan Stockholm 1986-1989 og Statens Kunstakademi Oslo 1989-1993.

Carolina Jonsson, født 1975 i Lidköping Sverige,  bor og arbeider i det svenske landskapet.  Hun arbeider med videoinstallasjoner  der film- og lydmaterialet  hentes  fra naturen for senere å endres ved bruk av digital teknologi. Tid er et sentralt tema i Jonssons arbeider. Jonsson har MA fra Kunstakademiet i Trondheim, NTNU, 2005. Hun har stilt ut arbeidene sine både i separat- og gruppeutstillinger, blant annet på Trøndelag Senter for Samtidskunst, Babel, Trondheim og sist på Galler KC i Gøteborg. Hun har også deltatt på flere screenings og filmfestivaler, blant annet Femmina, Verdal, Norge,  One Minute Festival Aaurau, Sveits og Berlin Film Festival, Tyskland.

Preben Holst, født 1974 i Kristiansand, Norge, bor og arbeider i København,   Danmark. Han arbeider med fotografi og video hvor han hovedsaklig utforsker tilstanden som skjer i overgangen fra barn til voksen. Holst har hatt flere separatutstillinger og deltatt på en rekke gruppeutstillinger i Norge og internasjonalt,  senest på Ny Nordisk Fotografi, CFF, Reports from an Ordinary Satellite,  AE Harris, Birmingham, Common Grounds, Hasselblad Center, Gøteborg og Well Gallery, London. Han er for tiden aktuell med flere verk på utstillingen Sammen, Trondheim kunstmuseum. Han har mottatt flere priser, blant annet førstepremie Hasselblad Center, Göteborg i 2008. Holst avsluttet sin utdanning i 2009. Han har BAF fra Kunstakademiet i Trondheim, samt en master i fri kunst fra Kunsthøgskolen i Malmø.

Dj-prosjektet. DJ-prosjektet var en løst sammensatt kunstnergruppe med utspring i miljøet rundt Kunstakademiet i Trondheim som bestod av både billedkunstnere, musikere og dj´s. I 2006/2007 gjennomførte de det relasjonelle prosjektet “Levanger Sessions; recordings and remixes” for LevArt,  og lydinstallasjonen som vises er en del av dette verket. Dette er første gang dette arbeidet blir vist på denne måten. Kunstnere i Dj-prosjektet:  Chris Gotaas, Carolina Jonsson, Martin Langlie , Kim Ramberghaug, Ingunn Sand, Lisa Stålspets og Jessika Thörnqvist.

Jinan Aljorani, født i Bagdad, Irak. Jinan Aljorani er utdannet billedkunstner fra det statlige kunstakademiet i Bagdad,  Irak. Aljorani kom til Levanger  som politisk flyktning i 2006. I lydinstallasjonen som vises i utstillingen rekonstruerer hun en telefonsamtale med moren som foregår samtidig med krigshendelsene i Bagdad. Den rekonstruerte telefonsamtalen  er en improvisasjon over en lydfil laget av Kim Ramberghaug.  Sporet er mikset og mastret av Martin Langlie.  Jinan Aljorani bor nå i Trondheim der hun forsøke å gjenoppta sitt kunstneriske arbeid.

Martin Langlie,  født 1982, musiker og produsent, bor i Oslo, spiller med Valkyren Allstars, Ida Maria,  Hanne Hukkelberg,  Gåte med flere. Han er aktuell med Martin Langlie solo, 2012 i regi av Ny Musikk Bergen.

Kim Ramberghaug, født 1973, fotograf og den ene halvparten av kunstnerduoen LHS som deltok på åpningen av Any Where out of the World del 1. Han er for tiden aktuell med det pågående fotoprosjektet Style and Content der han dokumenterer hip hop miljøet i Trøndelag.  Utstillingen åpner på Rockheim galleri,  Trondheim i november 2012. I 2011 publiserte han fotoboken The Heart is a Lonely Hunter.

Del 1: 2.juni- 20.juni 2012

Lisa Stålspets, Karianne Stensland, Trond Nicholas Perry og Agata Sander, Neil Beloufa, Laurie Anderson

Kurator: Anne-Gro Erikstad

poster – design og layout: Jessika Thörnqvist / LevArt

foto: Karianne Stensland(Stykke for arbeid og kunst / Piece for Labour and Art) 2012

Stensland sier: “Det handler om å arbeide. Det handler om å være. I kunst. I virkelighet. Det handler om plassering og manifestering av ideer. Om å holde ut. Ideene. Indre og ytre samtaler, dag og natt. Et helt langt uklanderlig liv. Stikke hendene i våt betong og forme den, før den blir stiv og uformelig tung. Gå tilbake og gjøre alt om igjen. Gjøre alt om igjen.” I ”Stykke for arbeid og kunst” følger Karianne Stensland ideenes organiske tilblivelse fram til et større kunstverk. Installasjonen viser en samtale med  leder ved NAV Lerkendal og kunstnerens fysiske etablering av en skulpturidé i Levanger.

Karianne Stensland har MFA fra Kunstakademiet i Trondheim, 2005. Stensland var en av initiativtakerne bak og aktiv i arbeidet med Marienborg atelierfellesskap og prosjektrom, Trondheim (2005-10). Mellom 2002 – 2007 arbeidet Stensland i den skandinaviske feministiske kunstnergruppen High Heel Sisters. Drivkraften bak Stenslands kunstneriske praksis er undersøkelser og omformuleringer av kjønn, makt og hierarkidannelse som ofte får form av video, performance og installasjon.

Trond Nicholas Perry og Agata Sander/Møbleringsprosjekt for LevArt

Møbleringsprosjektet er spesielt utviklet for LevArt. I perioden 2.juni til 20.juni vises prosjektet som objekter i en utstilling, etter utstillingsperioden vil møblene innta sin funksjon som bruksgjenstander i LevArts prosjektrom. Trond Nicholas Perry sier: “(…)grensene mellom kunst og design blir stadig mer utydelige. Jeg leste en artikkel for ikke så lenge siden som hevdet at det i dag ikke er objektet selv, men dets økonomiske funksjonalitet, som bestemmer hvordan det kategoriseres. Den mest vanlige distinksjonen mellom kunst og design er at design er mer tilgjengelig på grunn av at det er anvendbart og handler om hvordan du lever livet ditt. Jeg tror det er veldig mulig å overskride disse mulighetene for å bevege seg mot historiefortelling og poesi.”

Trond Nicholas Perry

Født i Kristiansand, 1977. Bor og arbeider i Warzawa, Polen.

Perry arbeider i ulike media og materialer. Det er et sosialt aspekt så vel som en sterk poetisk tilstedeværelse i arbeidene hans, som ofte tar form av skulpturer eller objekter som utforsker grensene mellom kunst og design.

Perry har Master i kunst fra NTNU, Kunstakademiet i Trondheim. Han har deltatt på flere utstillinger, i det siste “M3-Unblock” – Warsaw public space, and “Rooted Design for Routed Living – alternative design strategies, “Center of Contemporary Art, Warsaw.

Agata Sander

Født i Western Australia 1984. Bor og arbeider i Warzawa, Polen.

Sander har Master i Architecture and Urban Planning fra Warsaw University of Technology. Hun har arbeidet med flere arkitektteam, så vel som med individuelle prosjekter. I det siste Karwik -individual housing – concept, Quantum Musikk Maskin (med Trond Nicholas Perry), Gulatinget visiting center – konkurranseforslag (med Tomasz Kujawski og Waste Collector – EVOLO Skyskraper, konkurranseforslag (med Tomasz Kujawski) som de mottok “honourable mention” for.

Neil Beloufa/ Brune Renault

I verket Brune Renault fra 2009 utforsker Neil Beloufa det filmiske språket. I arbeidene sine undersøker den unge franskalgirske kunstneren ofte populære filmsjangre og transformerer dem til visuell kunst. Beloufa introduserer ukonvensjonelle og forstyrrende elementer i fortellingen, og beveger seg frem og tilbake mellom fiksjon og hverdagsliv. Tenåringene i filmen ser ut og oppfører seg som profesjonelle skuespillere. Tilskueren blir dratt inn i handlingen på grunn av overbevisende atmosfære, skuespill, lyd og lys, men med jevne mellomrom brytes illusjonen og vi ser filmsettet; en skitten og forlatt garasje. De unge protagonistene er filmet i en vraket bil som står på midt i garasjen, løftet opp og kuttet i fire deler. Settet blir en skulptur, og filmen en dokumentasjon.

Neil Beloufa

Født 1985. Bor og arbeider i Paris. Beloufa er utdannet ved det statlige kunstakademiet i Paris, ENSBA, i 2007. Beloufa har høstet stor internasjonal anerkjennelse for arbeidene sine og har deltatt i en rekke solo- og gruppeutstillinger, i 2012 deltar han blant annet  i “Intense Proximity”, La Triennale de Paris, Palais de Tokyo som er kuratert av Okwui Enwezor. Han har motatt en rekke priser og arbeidene hans er kjøpt inn av blant annet Centre George Pompidou, MNAM, Paris.

© Neil Beloufa, courtesy Netherlands Media Art Institute

Laurie Anderson/ Songs for Lines, Songs for Waves

Laurie Andersons performance fra 1977 består av ti sanger der tekst, bilde og musikk spiller en like stor rolle. Anekdotene Anderson forteller er like viktige som sangene. Den modifiserte fiolinen Anderson bruker er utviklet av Bob Bielecki og henne selv, de tradisjonelle hestehårsstrengene i buen er byttet ut med et stykke audiotape der lyder og tekst har blitt spilt inn. I performancen leker hun seg blant annet med Lenins berømte statement “Ethics is the aesthetics of the future”, slik at det vi hører er ‘Ethics is the aesthetics of the few’. Anderson sier: ‘For me the violin is the perfect alter ego. It’s the instrument closest to the human voice [...] I’ve spent a lot of time trying to teach it to talk. [...] Because the bow is drawn both ways, I got interested in backward sounds. [...] So I made a lot of songs that could be played both ways.’

Laurie Anderson, født i 1947 i Chicago, Illinois, USA, bor og arbeider i New York City. Anderson er en eksperimentell musiker og multimedia kunstner, arbeidene hennes er vist over hele verden, i form av live performancer og utstillinger. Et hovedtema i Andersons arbeider er spørsmålet om hvordan språk kan danne muligheter for individuelle uttrykk. Innenfor denne sammenhengen undersøker hun hvordan kunstneriske uttrykksfomer er kontrollert innenfor elitistiske sirkler av kunst produksjon og mottakelse. Kunsten hennes kommer fra et fundamentalt feministisk perspektiv, og hun prøver å synliggjøre og undergrave diskursive konstruksjoner av feminin og maskulin identitet.

© Laurie Anderson, courtesy Netherlands Media Art Institute